Conversaciones con Martín Morales: Un ponente del entramado armónico en las artes visuales

Texto y fotos: Orlando Oberto Urbina (CNP 9.207)

 

Martín Morales es artista plástico, y un maestro del arte visual que en sus investigaciones y pinturas ha abordado las relaciones vitales entre el color y la naturaleza. Un visionario de la naturaleza humana. Conocí a este artista visual sencillo y humilde en la Feria Internacional del Libro de Venezuela (FILVEN) capítulo Mérida (que en diciembre de 2024 se llevó a cabo en Tovar), la cual se realizó en dos sitios de trascendencia intelectual, como son el Ateneo Jesús Soto, y el Centro de Formación “Elbano Méndez Osuna”; lugares donde el arte ha forjado el camino de grandes artistas plásticos y de notables escritores.

En esa feria del libro me tropecé con este interesante artista visual de renombre nacional e internacional, y logré conversar unos minutos en la galería de este Centro de Formación en el cual cedió esta entrevista. Conocí a un hombre humilde y lleno de muchos saberes entre el color y la geometría, y la silueta que va poniendo movimiento, abriendo cada tema con una versatilidad y filosofía del arte visual que nos fue llevando por ese camino del resplandor del trazo, y ese goce estético que nos impulsa al color y las formas que despiertan devoción sin reservas. Así es la obra de Martín Morales: un artista que deviene, parafraseando a Robert Bresson, quien era un jansenista con ideas de predestinación y de gracia espiritual, “un electricista que desnuda sus cables antes de juntarlos, si quiere que la corriente pase”. Ese es el artista en el que la obra juega con lo visual del pensamiento. Ese es Martín Morales, del cual confieso que muy poco he visto sus pinturas; pero, a través de algunos escritos de arte, me he interesado en conocerlo y en saber que vive su oficio en Tovar.

Se dedica también a la investigación artística contemporánea, desde esa vertiente de la estética del arte y del movimiento visual que se ha desarrollado en Tovar, donde hay expresiones artísticas dadas a conocer  desde la autogestión, y generando espacios para las nuevas generaciones de artistas.

Foto: Martín Morales con Orlando Oberto 

OOU: ¿Qué son las artes plásticas, o el arte visual, para Martin Morales?

 

MM: Para mí es un espacio de vida, un lugar donde uno se acobija a través del color. Creo que lo más grande que le puede suceder al ser humano es esa relación, ese contacto que esta entre la obra y el artista, la obra y el espectador, y una de las condiciones que yo me he fijado es compartir esa unión entre el espectador y la pintura. Vengo realizando un trabajo desde hace muchos años dedicado al abstraccionismo geométrico, al arte cinético, el Op-Art; y luego, en un proceso de evolución de crecimiento de experimentación, he logrado unos objetivos muy importantes entre la comunión entre el abstraccionismo geométrico, el arte cinético y el paisaje. Esto es lo que vengo haciendo, y es lo que me ha permitido crear un espacio muy importante en mi obra.

Entonces creo yo que todas esas cosas que han venido sucediendo en Tovar. Tovar es un espacio para el arte; y aquí le decimos Tovar arte, porque aquí se ha generado una actividad muy importante desde los inicios del taller de arte libre que creó el maestro Elbano Méndez Osuna hasta nuestros días, junto con la extensión y el núcleo Rafael Gallegos Ortiz, donde se imparte la carrera de artes visuales.

 

OOU: ¿Considera Martín Morales que Tovar pudiese ser la Atenas de Mérida? Usted que ha estado en otros espacios del mundo… y ¿como ve el arte en el siglo XXI, con la inteligencia artificial y el mundo digital?

 

MM: Es importante el término que se ha utilizado para identificar el movimiento plástico en Tovar. Creo que se ha identificado a través del tiempo por un trabajo a pulso, sin pretensiones de grandeza. Nosotros lo que hacemos en Tovar es el taller, el laboratorio para construir nuestra obra; y yo creo que es importante entender que el movimiento plástico de Tovar se ha generado a través de una evolución muy importante: de una confrontación de su obra. La confrontación no es con Mérida, Trujillo o el Táchira, no es menospreciar estas ciudades, sino que buscamos el comienzo pictórico e histórico en el trabajo con Caracas. ¿Por qué? Caracas, porque allí es donde están o estaban los grandes museos que hoy día ya no existen. Lamentablemente, hemos tenido problemas como en el caso del Museo de Arte Contemporáneo “Sofía Imber”, que se fue en picada por las malas políticas y malas gerencias que han tenido estos espacios, no sólo en Caracas, sino en toda Venezuela. Entonces, ese trabajo que nosotros hemos realizado desde montarnos en un autobús con seis obras para ir a Caracas a buscar galerías, o un museo, o buscar un crítico de arte o un curador, eso le permite una confrontación de generar una cantidad de premios desde la década de los ochenta, noventa, y en este siglo que estamos avanzando.

Con relación a la inteligencia artificial, es una herramienta que se puede utilizar. Lo más importante es lo que sale del interior del ser humano, del interior del artista, de las vísceras del artista. Yo siento y percibo cuando trabajo en mi taller, en mi espacio o laboratorio, donde hago esa comunión con mi obra; ese contacto con mi trabajo artístico, y dialogo con mi obra, porque es muy frío dialogar con una computadora o con la inteligencia artificial. Es una herramienta que es muy importante, no solo para las artes plásticas, sino para todas las artes y las ciencias, los arquitectos e ingenieros. Pero yo me quedo en mi espacio que es mi pintura, pintar sintiendo la tela, el pincel, el color, el aerógrafo. Es sentir la presencia de lo que yo estoy haciendo con mis manos. Yo respeto esa herramienta de la inteligencia artificial, y a quienes la utilizan. Llegará el momento en que la podré usar y como aquello que escribió Arthur Danto sobre la obra de Marcel Duchamp: “la pintura no ha muerto ni va a morir”, el arte como hemos venido evolucionando seguirá en los espacios en que nosotros habitamos, los espacios no importan, puedes ser de Tovar y estar trabajando en Beijing o en Nueva York. Lo importante es creer en lo que estamos haciendo nosotros, tengo la fe en mis cincuenta años que llevo trabajando de que el arte me ha permitido contactar y exponer no sólo aquí en Tovar o en Caracas, sino en Paris, Nueva York, en muchas regiones de Suramérica, en Colombia, en Costa Rica. Eso me ha permitido el contacto directo con artistas en sus talleres.

Eso es muy importante para los jóvenes, para que visiten los talleres, las galerías, los museos. Ese encuentro, esa comunión con el arte y amigos del arte.

 

OOU: ¿Qué le parecen las técnicas que usaba Alejandro Otero, Jesús Soto o Cruz Diez? ¿Acaso usaron la computadora para mejorar su trabajo?

 

MM: Yo no estoy en contra con esas herramientas, me alimento del internet, utilizo la computadora como una herramienta, y otros artistas la están utilizando de buena manera. Hay una obra que penetra el cuadro y es lo que hizo el maestro Carlos Cruz Diez, o el maestro Jesús Soto con la llovizna. Lo penetrable es recordar esos espacios de la infancia y la juventud del maestro Soto en Ciudad Bolívar; esas cascadas que cuando entras allí sientes que está cayendo algo, y eso es muy importante. Las herramientas como la computadora, el internet, la inteligencia artificial, hay que seguirla utilizando, pero hay que saber hacer un buen uso de ella, no es hacer un trabajo por hacerlo, o usar la computadora para hacer algo que nunca logró hacer.

 

OOU: ¿Cómo ve Martín Morales, siendo un maestro del color y del arte, el uso reiterado de las figuras tradicionales? Desde hace mucho tiempo se ha dicho que algunos grupos imponen el bodegón y el paisaje como presa fácil para el comercio de obras.

 

MM: Hay gente que nunca estudió arte, y para estudiar arte hay que pasar por el ABC y dibujo analítico, la naturaleza muerta, el paisaje. Están las perspectivas de la ciudad, de las casas o los lugares encerrados. Eso es importante y hay que pasar por allí, porque nosotros no podemos dibujar en el espacio sin haber abordado el papel blanco, ese papel o esa tela el cual nos da temor, y qué hago yo aquí. Enfrentar eso no es fácil, para eso hay que pasar por la academia y la academia es pintar, es la formación del artista en cualquier espacio. Tú vas a Milán en Italia y te vas a encontrar una academia, y en los talleres te vas a encontrar que están trabajando los dibujos de escultura, o de una modelo o cualquier institución, donde están los profesores poco a poco. En la medida que avanza uno se va identificando con lo que va creando, y ya hay presencia, y ésa es resultado de una evolución de la academia del primer semestre hasta llegar a culminar sus estudios.

Eso lo vemos acá en Tovar, nosotros hemos tenido la fortuna de formar a los muchachos aquí en el núcleo “Rafael Ángel Gallegos Ortiz”, y desde aquí han salidos excelentes artistas. Hace poco, uno de los jóvenes como Adonay egresados del núcleo acaba de ganar la bienal Arturo Michelena, uno de los salones más importantes de América Latina. También Hugo Rodríguez se ganó el año pasado el segundo premio de jóvenes, y vamos más atrás: yo participé en varios salones y me gané varios premios, cuando los salones eran muy importantes, en la Galería de Arte Nacional; y también he recibido premios por la confrontación de mi obra con otros artistas, y hay que estudiar e investigar, esa es la libertad.

 

OOU: ¿Qué piensa de los críticos de arte?

 

MM: Pienso que es importante: es vital la presencia de los críticos de arte, los curadores de galería y de los museos, porque es la forma en que el público que ama el arte tenga presente a través de textos una persona a nivel de investigadora que pueda hablar de una obra. El artista habla de su obra, pero la crítica ayuda mucho a llegar a determinados espacios; por eso el crítico tiene esa presencia en el trabajo de una obra de arte. El curador se encarga del artista y de la obra que debe estar expuesta en un museo o galería; y son importantes y quienes hacen esa investigación nos llevan a conocer el arte.